NATXO  ZENBORAIN:  Psychoart - Surrealismo - Art

Manifiesto Natxo Zenborain: El arte no pide permiso. Republik Natxiana: Un refugio para los sentidos- En un mundo donde el arte a veces se encierra entre horarios y comités, donde la creatividad parece vestirse de etiqueta para encajar en moldes, nace un espacio distinto: la Republik Natxiana. No es un lugar físico, sino un territorio imaginario donde el arte respira con libertad, donde cada imagen, cada gesto, cada palabra invita a sentir sin permiso. Aquí, el arte no se acomoda: se expresa. No busca agradar, sino despertar. Es un refugio para los sentidos, un rincón donde lo emocional, lo onírico y lo simbólico se entrelazan para ofrecer experiencias que nos invitan a mirar más allá de lo evidente. El arte como exploración interior En la Republik Natxiana, el arte no se cuelga en una pared: se vive. A través del Psychoart, Natxo Zenborain nos propone un viaje hacia la psique, hacia las emociones profundas, hacia el vértigo de lo desconocido. Sus obras no explican, sugieren. No decora

El Arte que No Cabe en un 0 o un 1: Psychoart en la Era Cuántica. Las ilusiones de una obra Psychoart en la línea del tiempo La física cuántica ha demostrado que la realidad no es un estado fijo, sino un conjunto de posibilidades que se actualizan en función del observador. Este marco —desarrollado por Cirac, Rovelli y otros investigadores— resulta especialmente pertinente para comprender la naturaleza de mi obra Psychoart, cuya identidad es deliberadamente cambiante. En Psychoart, una obra no posee un significado estable, sino un abanico de lecturas que emergen según el contexto, la mirada y el momento histórico. Cada observación constituye una actualización distinta del sentido, del mismo modo que un cúbit adopta un valor concreto solo cuando es medido. La obra no cambia porque se desgaste: cambia porque está viva. Este comportamiento no es una anomalía: es la esencia misma del Psychoart. Un sistema perceptivo dinámico, no un objeto estático. Es comprensible que esta complejidad resu

Various cultural media highlighted the scope of the International Surrealist Photography Contest, noting its ability to bring together proposals from multiple countries and to establish itself as a space for free, plural and openly experimental creation. The quality of the works, the diversity of perspectives, and the contest’s commitment to bringing contemporary art closer to the public were also emphasized, particularly through its street‑level exhibition that transformed Eibar into a vibrant creative meeting point. Specialized reviews underscored the curatorial coherence of the project, its international momentum, and its recovery of a surrealist spirit understood as exploration, risk and openness. Likewise, recognition was given to the organizational effort carried out by Natxo Zenborain, who provided a framework in which each artist could express themselves without restrictions, fostering dialogue across disciplines and sensibilities. And yet, an unavoidable paradox remains: An in

“When you see a cultural‑management association presenting a poster whose main visual element is an illustration generated by AI… and then you see a City Council subsidising a musicians’ parade ("alarde") with another poster also illustrated with AI… the conclusion is simple: the very people who should be defending artistic creation are the first to dispense with creators. And the best part is that when you point it out politely, they get offended — and even reply with things like: ‘Hi Natxo, AI helps but it doesn’t make the poster, nor the creative idea, nor the typography, nor the colours, nor the layout. Just to clarify.’ Personally, I saw their reply as the classic defensive line: ‘Yes, we used AI, but we don’t want it to sound like the poster is made by AI.’ But if the visual base —the illustration— is generated by AI, then AI does make the poster, because the image is 80% of the poster. The rest (fonts, colours, text placement) is just traditional layout work, not creation. Ironi

El happening participativo deja en evidencia a las viejas dinámicas corporativas como quien enciende la luz en una fiesta decadente. Mientras algunas empresas siguen apostando por la “descarga emocional” —gritar, romper cosas, hacer ruido como si el caos fuera terapia—, este enfoque demuestra que esas modas son puro humo: alivian cinco minutos y al día siguiente todo sigue igual, con el estrés sentado en la misma silla. Aquí no se trata de destruir para sentir algo, sino de activar la creatividad, la comunicación y la cohesión de verdad. Los participantes dejan de ser figurantes y pasan a ser protagonistas; el cuerpo deja de ser un contenedor de tensión y se convierte en herramienta; la comunicación deja de ser un PowerPoint y se vuelve experiencia. El resultado es simple y demoledor: más implicación, menos bloqueo, más creatividad, más escucha y un logro compartido que no se evapora al salir por la puerta. Nada de parches. Nada de analgésicos emocionales. Esto no maquilla el estrés: l

El auge de los NFTs llegó envuelto en promesas de revolución creativa. A muchos artistas nos llovieron invitaciones, plataformas y discursos que aseguraban un futuro donde la tecnología transformaría para siempre el arte. Pero para participar había que abrir carteras digitales, manejar criptomonedas y adentrarse en un ecosistema que, más que artístico, olía a ingeniería financiera. Con la perspectiva del tiempo, la caída actual confirma lo que muchos intuíamos desde el principio: el mercado NFT se sostenía más en la narrativa que en el valor real de las obras. La exclusividad artificial, los metaversos aún por inventar y las comunidades “premium” actuaron como combustible de una burbuja especulativa que hoy se ha desinflado casi por completo. Mientras piezas que llegaron a venderse por millones apenas alcanzan ahora las cuatro cifras, el arte —el de verdad— sigue su curso sin necesidad de blockchain. La tecnología puede aportar herramientas, pero nunca debería imponerse como condición